關於部落格
  • 81208

    累積人氣

  • 5

    今日人氣

    2

    追蹤人氣

[ MoMA新摄影专题 ] 摄影在后挪用时代—策展人罗克珊娜·马可希访谈

A. 首先,请您一下介绍纽约现代美术馆(MoMA新摄影展览最主要的理念。

Q. 今年标志着MoMA新摄影系列展览进入第二十五个年头,从米歇尔·施密特(Michael Schmidt)、菲利普·洛尔卡·迪卡西亚(Philip Lorca diCorcia)、安-·勒(An-My Lê)和托马斯·德芒(Thomas Demand)到雷切尔·哈里森(Rachel Harrison)、里涅可·迪克斯塔(Rineke Dijkstra)及萨拉·范德比克(Sara VanDerBeek)等人,74位不同风格、不同理念的摄影艺术家在这里展出过自己的作品。艺术评论家菲利普·格非特(Philip Gefter)几年前在《纽约时报》上的一篇文章里曾这样写道:如果我们将这一系列影展的作品编纂成册,结果就是一部现代摄影史的缩影。尽管最初提出新摄影时更多是为了突出个人成就而非概括时下的摄影趋势,但时至今日这一系列影展却已经成为摄影领域多样性发展的代表。

 

A. 每年MoMA 是如何从世界各地挑选艺术家?

Q. 每年我们都会拜访美国本土和其它国家的艺术工作室,也会定期评判世界各地艺术家们提供的作品集和其它数字材料。我们会不远万里地参加巴黎摄影博览会(Photo Paris)、巴塞尔艺术博览会(Art Basel)等各大国际性艺术盛会,也会千里迢迢前往从欧洲到亚洲的种种艺术双年展。另外我们还会从各种影展、期刊、书籍中获取研究资料,并与其他国家同仁一道交流信息。在此基础之上,举办若干次大规模策展评议会,重新审视过去一年之中收集到的各种材料。在经过反复的展示分析后,确定最终将会出现在下一期新摄影展中的艺术家名单。

 

A. 在这几年的新摄影展览中,我们发现经常指摄影与其他领域、其他媒体的融合,但是摄影却也因此减弱自己的影响力。在作为当代艺术的摄影这样的文脉之下,您和MoMA如何定义摄影呢?

Q. 20世纪60年代后,我们开始关注两大摄影流派。一派依循传统摄影的风格,另一派则臣服在艺术世界的规则之下。与此同时我们也关注报道摄影和艺术摄影等领域。但也不乏有时候某一位摄影师在创作实践中同时表现出上述若干风格的例子,譬如说2010新摄影中所展出的罗·埃斯里奇(Roe Ethridge),从画意派人像摄影到17世纪欧洲流行的劝世静物画(vanitas still life),在埃斯里奇的作品中能清晰地看到各种不同历史时期艺术风格的影子,他将各种挪用的图像以大大小小的不同尺寸陈列在一起,形成了他所谓的视觉赋格曲Visual Fugues)风格,这样的作品已经超出了前人挪用照片的方式,或许可称其为后挪用post-appropriative)风格。和本次展出中的其他艺术家一样,埃斯里奇的作品同样是对图片的一代Pictures generation)的回顾,但他的独到之处在于,他并没有像其他摄影师那样翻拍广告图像然后当做自己的作品,却创作那些可以同时当做商业委托作品和自己艺创作影像,以自己的方式制作展示,而是效仿期刊杂志上的作品风格自行拍摄照片并加以利用,这样一来就摆脱了令其他摄影师饱受指责的原创性问题。埃斯里奇拍摄的这些专题风格编辑模式影像有的直接借鉴杂志照片,还有一部分是他进行商业创作时的副产物。凭借摄影的叙事性传统和作为影像来源的大规模可复制性,他推翻了传统的影像审美,转而以矛盾不一的方式展示自己的作品。

 

A. 那请您也介绍一下您挑选2010新摄影其他三位艺术家的原因?

Q. 我希望通过本次影展,将一批扩展这一媒体传统定义的摄影师推到人们面前。我既关注那些以摄影作为主要创作手段的艺术家,也关注那些专注其它领域创作但会在创作时用到摄影作品的艺术家。这就是为什么大家在这次影展中除了能看到静态的照片,还能看到立体的雕塑、动态的影像。今年所展出的这四位艺术家都将摄影视作一种流动的媒体,既包含报道专题,又包含艺术创作,还包含动态影像等。新摄影正是时下这种概念交织的体现。

 

A. 我感觉到今年的关键词是影像image),是强烈地与美国的影像、摄影、电影、商业、消费文化息息相关的影像,并且最有趣的一点是,正如您所说,四位艺术家都直接把影像当做素材来使用,而并非如一些当代艺术创作把摄影当做视觉经验、或是拿出摄影中的图像作为拼贴的元素使用。作为今年的策展人,您对影像有怎样的看法?您如何定义21世纪与20世纪在影像认知上的差异?

Q. 摄影不像有人所担心的在五光十色的读图年代步入晚年,而是处在一个蜕变阶段,这一阶段和摄影相关的技术发展、研究状况、艺术实践都息息相关。从1839年诞生起,摄影这一媒介不光改变了我们的感知习惯,同时还提供了一种新的信息传播模式,在各个文化领域掀起了一场又一场革命。20世纪20年代初,摄影影像出现了第一次井喷,齐格弗里德·克拉考尔(Siegfried Kracauer)口中的这场影像暴风雪掀起了艺术家们对影像拼贴与动态组合的尝试浪潮,基于对影像的分解挪用,照片拼贴标志着对照片是什么这一命题理解的观念性转变。随着近年来摄影在数码领域的发展,其潜力被进一步扩大,能以更加复杂多变的方式重现、记录和诠释当今世界的内涵。我预期下一个二十五年,将会成为影像的年代

 

A. 您在今年展览中加入电影,这是新摄影二十五年来的第一次。可否请您解释放入电影的原因?您在处理展览时遮盖了电视屏幕,墙面上显现出的电影画面犹如一张流动的照片,这是否代表您对于影片与摄影的定义与诠释呢?

Q. 正像我在前面提到的那样,参与本次展出的四位艺术家,罗·埃斯里奇、艾莱达·拉斯瑞(Elad Lassry)、亚历克斯·普拉格(Alex Prager)和阿曼达·罗斯-霍(Amanda Ross-Ho),他们都将摄影视为一种在报道摄影、艺术摄影和动态影像之间自由流动的一种媒介。他们的影像无论从真实世界取材,还是从荧光屏上捕捉,或者使用数码手段编辑调整;无论在工作室中构建拍摄,还是从流行文化、广告或电影中直接摘取,都已经偏离了原有的语境,例如说从杂志的页面来到画廊的墙上或者投影屏幕上。这也是我们第一次在新摄影中展出动态影像,一段来自亚历克斯·普拉格,另一段来自艾莱达·拉斯瑞。

 

普拉格是一位自学成才的摄影师。她在盖蒂博物馆的一次展览中欣赏了威廉·艾格斯顿(William Eggleston)的作品之后投身摄影艺术领域,她把这次观展形容为改变生命的一次体验。普拉格的创作来源丰富,无论是低级趣味的小说还是道格拉斯·塞克(Douglas Sirk)或阿尔弗雷德·希奇科克(Alfred Hitchcock)等导演的惯用桥段,无论是辛迪·舍曼(Cindy Sherman)的简单自拍还是盖·伯丁(Guy Bourdin)的时尚大片,都在她有意识的调度之下,就像一部默片。头戴假发,面上浓妆,着装复古,这是在她无意识叙事中经常出现的女性形象。在怪异的拍摄角度和夸张的灯光效果渲染之下,这些色彩乖张的作品给人带来强烈的不适感。除了这些电影效果的照片以外,本次展览普拉格还带来了她的第一部影片《绝望》(Despair2010),这是该片在美国的首映。导演朗·霍华德(Ron Howard)的女儿布莱丝·达拉斯·霍华德(Bryce Dallas Howard)在这部仅长四十分钟的影片中出演女主角,普拉格认为这部影片与其摄影作品相比能唤起完全的感知投入,她希望这部电影能展示她作品之一的过去、现在和未来。这部短片音乐由作曲家阿里·赫文(Ali Helnwein)担纲,故事背景设定于上世纪60年代的洛杉矶,其灵感来源于1948年拍摄的电影《红菱艳》(The Red Shoes)。这部电影改编自安徒生的同名小说,描写一位嗜舞如命的首席芭蕾舞女演员因陷入爱情与事业的冲突,最终选择自杀的故事。普拉格着重通过女主角的面部勾勒其强烈的情感,其对电影情节的痴迷于理解在这样的影像中彰显无遗。

 

拉斯瑞的作品则继承了约翰·巴尔德萨里(John Baldessari)和克里斯托弗·威廉姆斯(Christopher Williams)等西海岸观念艺术家将摄影作为观念装置的传统,并且将拍摄的画面和广告、时尚、电影等得到应用的商业作品巧妙结合在一起,形成了自己独到的风格。从加州艺术学院电影专业毕业后,他继续在南加州大学完成了艺术硕士学位。他习惯使用16mm35mm电影胶片,这也和他的教育背景密切相关。拉斯瑞的作品既综合了电影、杂志、广告等视觉文化,又综合了基于影像的叙事历史。拉斯瑞常常会将自己的摄影作品与16mm电影放映机放映的默片陈列在一起。这些动态影像与他的静态作品规格相仿,在加入电影和广告的诱惑性视觉语言后,作品产生了概念性的颠覆。在摄影与图像的关系之间,他是一位高明的探索者。

 

A. 可否请您多介绍阿曼达·罗斯-

相簿設定
標籤設定
相簿狀態